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Lucía Polanco, una pintora cántabra que transmite luz.

Sí, transmite luz,  lo pudimos descubrir el pasado quince de mayo cuando nos desplazamos a Santander, y pasamos un rato muy agradable conversando con la pintora cántabra Lucía Polanco en su taller de la Avenida Reina Victoria.

A continuación aparecen algunas otras fotografías que hicimos, así como el texto de la entrevista.

Pregunta: ¿Cómo surge Lucía Polanco, pintora?

Respuesta: De bien pequeña. Desde siempre me ha gustado dibujar y pintar. Ser pintora es algo que nunca me había planteado, pero cuando estaba en el instituto me dijeron que había una nueva opción: el Bachiller de Artes, y no dudé en apuntarme, más tarde fui a Bilbao a estudiar la carrera de Bellas Artes.

P: ¿Qué significa la pintura para ti?

R: Vivo para la pintura, mi pintura es mi vida, no tiene otro significado. Vivo, muero y respiro gracias a la pintura.

P: ¿Solamente pintas o tienes otra ocupación?

R: No, solo pinto, sobre diferentes materiales y superficies: alfombras, camisetas, paredes… pintura y color.

P: La pintura tiene un proceso de aprendizaje continuo, es decir, ¿Tienes que estar evolucionando y aprendiendo continuamente?

R: Tienes que estar ahí, no sé si evolucionando y aprendiendo, pero pintando y trabajando. Si no trabajas por ejemplo durante un mes, la mano se hace vaga.

 La inspiración es importante…

Si no hay inspiración o un buen estado de ánimo… En lo mío es muy importante,

Suelo empezar por los fondos y los colores van surgiendo, también a veces otros temas, otras ideas… Van surgiendo según vas trabajando.

P: Cuando hablas del estado de ánimo Lucía, implica que si por lo que sea tienes un bajón o un disgusto ¿Te influye?

R: Muchísimo, de hecho cuando estoy muy deprimida no pinto, o cuando no pinto estoy deprimida. He tenido ahora una temporada baja y es cuando menos he pintado.

P: ¿Que buscas en la pintura?

R: Expresar mis sentimientos, no soy una persona ambiciosa, no busco demostrarle nada a nadie. Comunico sentimientos puros y duros.

Siempre espero que las personas al ver mis obras generen su propio mensaje.

“Siempre digo que las personas completan las obras”.

 P: ¿Llevas mucho tiempo pintando de forma profesional?

R: Sí,  básicamente desde 1997-1998. Tuve un año en plan de: no encuentro nada, ¿qué tengo que hacer?

Acabé la carrera y me encontré sola y sin ningún tipo de monitorización, y ese  primer año tuve que empezar a pensar cómo enfocar mi actividad.

P: ¿En qué sueles inspirarte para hacer tus creaciones?

R: En mis sentimientos y luego en figuras, me encantan las figuras. Nunca hago abstracto puro, hago un fondo abstracto y a continuación la figura que me guste, o que me diga algo.

P: ¿Figuras reales o inventadas?

R: Reales, muchas veces de tanto ver figuras reales tengo un registro de ideas y de figuras en la mente.

Antes eran más inventadas, ahora intento -si quiero una cara muy específica-, mirarme en el espejo, muchas veces soy yo por pura comodidad, no por ningún tipo de narcisismo.

Cuando quiero una expresión gritando, me veo en el espejo como grito o veo una fotografía donde haya alguien gritando.

Lo utilizo solamente para la base de lo que voy a pintar.

P: ¿Y el mar, que parece fuente de inspiración? Lo tienes  al lado.

R: Es fuente de inspiración, de relajación y de todo, igual que la naturaleza y los árboles. Soy una enamorada de los árboles. Para mí son desconexión.

“El agua y el sonido de los árboles me ayudan a desconectar.”

P: ¿Cuánto puedes tardar en hacer una obra? ¿Qué factores influyen?

R: Hay obras que las he terminado en un día con la emoción y el subidón. Otras  las dejo por un tiempo; tengo el fondo hecho, me gusta como esta, y pienso en la figura que puede encajar.

No lo hago medido sino espontaneo, puedo estar 15 días pensando que fondo, que cara poner, es aleatorio.

P: ¿En qué lugares pintas, murales, cuadros? ¿Depende de lo que te encarguen?

R: Pinto en mi taller. En  2018 empecé a pintar un mural en Reinosa. Me ofrecieron una pared maravillosa. Ha sido el primero que pinto.

Mural de Reinosa

Hace unos días he pintado otro, aquí en un bar, en frente del Palacio de Festivales.

P: Que colores son los que más usas, ¿Oscuros, Claros?

R: Los rojos son los que más me gustan, luego los verdes que antes no me gustaban.

Los meto en todo, son colores muy complicados y si no quedan bien, quedan horrorosos.

El rosa es un color que  no me gusta nada, pero también lo meto en mis composiciones. No tengo una gama muy concreta.

P: Y los verdes dices que quedan muy bien o muy mal. ¿Por algo en especial?

R: El verdes es un color muy complicado aunque no lo parezca, al mezclarlo con blanco pierde muchísimo, queda horroroso.

Si un cuadro con predominio del verde no lo dejas bien, se nota que le falta trabajo, pero si lo trabajas bien queda un cuadro espectacular, al igual que los rojos.

Tengo una camiseta con mogollón  de verdes, depende como les metas quedan muy bien o muy mal. Utilizo colores aleatorios según me pide el estado de ánimo.

P: ¿Qué estilo aparte del tuyo te atrae?

R: Aunque yo me considero “expresionista” y mi trabajo gira en torno a lo figurativo,  me gustan todos los estilos.

Las personas que discriminan otro estilo porque no es semejante al suyo en mi opinión se cierran puertas; todo nos puede aportar algo aunque no nos guste. Tengo mis prejuicios como todo el mundo, pero siempre doy una oportunidad. Cuando voy a una exposición, da igual si es de arte Naif o Hiperrealista,  si veo buena obra me voy encantada. Todo está bien si se hace de manera seria y sincera.

P: ¿Un Velázquez?

R: Me gusta.  Voy al museo y digo: “un  cuadro  impresionante, qué color, qué tamaño”.

 P: ¿Pasión o profesión?

R: Las dos cosas, tengo mucha suerte. Mi trabajo está relacionado con el mundo del arte, me dicen que es mi hobby. Mi hobby es dibujar. No me puedo quejar.

P: Tienes algún referente en tu pintura, ¿Algún pintor, alguien?

R: Sí, antes eran como más expresionistas, Frank Auerbach, Francis Bacon, Lucian Freud… que siempre ha sido un gran referente para mí, y de hecho me gusta más que Bacon.

Ahora no me fijo tanto en referentes concretos como puede ser la obra de otro artista. El mundo a mi alrededor es mi mejor inspiración, intento tener la mente abierta para poder hacer las cosas que me gusta y tratar de mantener mi línea..

P: ¿Expones en algún lugar?

R: He expuesto hace poco en la Casa de Cultura de Polanco. Tengo previsto exponer  no sé cuándo todavía en Selaya,  me han llamado de Madrid para junio, y también me van a buscar fecha en una sala de Gijón. Estoy contenta.

Y das clases

Doy clases en mi taller pero no generan mucho dinero.

P: ¿Se puede vivir de la pintura?

R: Solo de la pintura no, tienes que hacer varias cosas relacionadas con el mundo de la pintura y en mi caso, muy justito. Tengo a mis hijos, les llevo aquí al lado al colegio, y tengo una pareja que trabaja, si no sería imposible.

Hay pintores que sí viven de la pintura,  que venden, se mueven. Son de otra categoría diferente a la mía.

Sí sigo aquí es más por vocación y pasión que por dinero.

Desde un punto de vista económico no es rentable. En caso de estar sola sí, pero con cargas familiares como es mi caso,  es más por vocación pura y dura.

PAGINA DE FACEBOOK: https://www.facebook.com/L3Polanco

FUENTE: CENTRO CULTURAL DE VALDERREDIBLE.

FOTOGRAFÍAS Y TEXTO: JORGE A. MURILLO


 

El Reina Sofía y el Archivo Lafuente resucitan su asociación en Santander

El museo, el empresario, el ministerio y el Ayuntamiento firman este miércoles el acuerdo para abrir un Centro Asociado en el antiguo Banco de España, que costará 10 millones de euros.

La primera salida física del Museo Nacional Reina Sofíafuera de Madrid ya tiene su fórmula. No será una subsede ni una franquicia, sino un centro asociado con el Archivo Lafuente que se instalará en Santander, en la antigua sede del Banco de España, una vez rehabilitado el edificio de planta noble hoy en desuso. El acuerdo de colaboración entre las partes se ha firmado se firmó en julio,  y el propósito es poner en marcha definitivamente un proyecto que debería abrir sus puertas en 2021, según las previsiones, tras varios años de retrasos. Se llamará Centro Asociado Museo Reina Sofía-Archivo Lafuente y exhibirá obras, pero sobre todo documentos, desde las vanguardias europeas de principios del siglo XX hasta los años ochenta.

El director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, explica la importancia de los fondos: “Los archivos en el arte moderno y contemporáneo son fundamentales porque contextualizan y explican momentos históricos a través de documentos. Una parte de ese arte tiene que ver con las partituras, los libros, la dimensión textual, como el dadaísmo, el futurismo, la poesía concreta… José María tuvo la inteligencia de coleccionar cuando su precio aún era accesible. Tiene fondos muy importantes de autores como Ulises Carrión, Sol LeWitt, Fernando Millán, José Luis Castillejo, de las vanguardias históricas…”. El valor de la colección, que incluye pinturas, dibujos, obra gráfica, fotografías, libros, revistas o cartas, supera los 15 millones de euros.

Lafuente añade que tal vez la mayor singularidad de su colección “es todo lo que hay de América Latina, porque a eso, en su momento, no se le dio importancia y nosotros trazamos un plan de recopilación. En el futuro constituirá la mayor singularidad internacional”. El coleccionista y empresario quesero recuerda que hace dos años llegó a un acuerdo con el Reina en virtud del cual “puede disponer de todo el archivo con carácter preferente”, mientras se desarrollan también proyectos independientes. Además, “el Reina tiene una opción de compra en exclusiva en 10 años”.

Exposición permanente

El Centro Asociado lo liderará el Reina Sofía y se expondrán obras tanto del museo como del Archivo Lafuente. El propósito es organizar una exposición permanente que se cambiará cada año y medio o dos años, además de una muestra temporal al año. También se podrá acceder a la documentación para su investigación y se ofrecerán actividades formativas. Hoy, solo los investigadores pueden acceder a la colección en un espacio acondicionado en una de las fábricas del industrial en Cantabria, si bien los fondos itineran con frecuencia en diversas exposiciones (como la actual de fotografía rusa en el Círculo de Bellas Artes).

“La idea es consolidar una relación y crear una institución de carácter público con el tiempo. La unión entre el Archivo y el Reina tiene una voluntad de permanencia y continuidad”, apunta Borja-Villel. “El Reina no está abriendo una franquicia ni una sede en Santander, sino que va al encuentro con un archivo que está en Santander. La franquicia va en una dirección, tiene algo de neocolonial. Un centro asociado va en las dos direcciones en una relación de igualdad”.

El proyecto se empezó a fraguar con el santanderino José María Lassalle como secretario de Estado de Cultura, e Íñigo de la Serna (también del PP) en la alcaldía. Hoy, la alcaldesa de Santander (PP), Gema Igual, asegura que el Ayuntamiento “lleva mucho tiempo poniendo toda la carne en el asador, saltando muchos obstáculos, sobre todo cuando se descolgó el Gobierno de Cantabria. Ya estaba encarrilado con el anterior ministro pero el actual [José Guirao] ha sido muy sensible”. El municipio costeará los 10 millones de euros de la rehabilitación y adecuación del Banco de España, así como el mantenimiento. No cierra las puertas a una posterior incorporación al proyecto del Ejecutivo autonómico, presidido por el regionalista Miguel Ángel Revilla, que gobierna con el apoyo del PSOE.

Guirao destaca que el acuerdo es una “alegría” para su departamento, para Santander y para España, porque el de Lafuente “es uno de los grandes archivos a nivel internacional en manos privadas y, sumado al del Reina, conformarán uno de los primeros archivos documentales dentro del mundo del arte moderno y contemporáneo”. Además, “el archivo corría el riesgo entre comillas de ir a una institución internacional dado su interés y hay que agradecer que se quede en Santander”.

UN NUEVO TRIÁNGULO DEL ARTE
La apertura del Centro Asociado Museo Reina Sofía-Archivo Lafuente, previsiblemente en 2021 o 2022, creará un nuevo triángulo del arte en España, en este caso frente al mar. A escasos metros de la antigua sede del Banco de España se sitúa el Centro Botín, de Renzo Piano, y unos metros más atrás, en el paseo de Pereda, la actual sede social del Banco de Santander se convertirá en la Casa Museo del Banco de Santander, tras la intervención valorada en 40 millones de euros del arquitecto David Chipperfield.

El coleccionista José María Lafuente incide en la importancia de descentralizar los polos de atracción del arte en España. Esta apuesta, sumada a la posible ampliación del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria, reforzará el eje Bilbao-Santander como destino cultural. Con 173.000 habitantes, la ciudad cuenta con una consolidada oferta que incluye la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, un festival internacional de música y una buena red de librerías y galerías de arte.
FUENTE: EL PAÍS / FERRÁN BONO .

Los objetos con los que Miró esculpió su leyenda

El Centro Botín lleva a Santander un centenar de piezas representativas de todas las etapas del artista.

Huesos, cestos de arpilleras, botellas de vidrio, viejas tronas, un silbato, cajas de ensaimadas. Los restos de todo aquello que en algún momento formó parte de la vida de Joan Miró (Barcelona, 1893 – Palma, 1983) y luego habría de ser desterrado, se sitúa en la base sobre la que creó su fascinante obra escultórica, una forma de expresión artística y poética que definió su larga trayectoria de experimentación. A aquellos misterios consagra el Centro Botín de Santander la nueva exposición del espacio que sobrevuela la bahía de Santander: un conjunto de un centenar de obras producidas entre 1928 y 1982 y nunca antes reunidas que se podrán ver hasta el 2 de septiembre. Coproducida en colaboración con la Obra Social La Caixa, aspira a diseccionar el proceso creativo del artista al mostrar junto a las obras finales los materiales cotidianos que las inspiraron, los bocetos preparatorios y pruebas de los trabajos de fundición. El conjunto lo completan fotografías del artista y vídeos.

La parte científica viene avalada por la comisaria María José Salazar, una de las máximas expertas en Miró, y por Joan Punyet, nieto del artista y portavoz de la Successió Miró. El resultado es un inmenso bosque dividido en cinco miradores retrospectivos en los que se aprecia el afán permanentemente del creador por la experimentación.

Durante la presentación a la prensa en un día en el que el Cantábrico se mostró inclemente al otro lado de los grandes ventanales de la fundación, Punyet aportó algo de calidez al recordar a su abuelo como a un “padre maravilloso”. “Tuvo una hija, Dolors, mi madre, y cuatro nietos, dos de ellos fatalmente desaparecidos. En su vida había dos ámbitos separados por una línea endeble que a veces nos dejaba cruzar: la de la familia y la de su obra. Nunca paró de trabajar para encontrar un lenguaje universal que fuera la quintaesencia de la poética surrealista. Cada día, cuando salía a pasear, volvía cargado de tesoros que le servían para bucear en los sueños y descifrar para nuestra mirada las diferentes formas de comprender el arte”.

¿Y qué era lo que más sorprendía al niño de todo aquello con lo que el abuelo volvía a casa? “Los huesos y los esqueletos de animales muertos. Podían ser de perros, de cabras, de conejo… Todo le venía bien y todo ello lo colocaba y ordenaba luego en su estudio como parte de ensamblajes de obras futuras”.

“En el completo discurso que hemos podido armar, su vinculación a la tierra y a la naturaleza es una constante que recorre sus obras, por cierto tituladas todas en francés por él”, añadió Salazar, que ha dedicado el catálogo a Emili Miró, nieto mayor del artista. Con él, inició el proyecto de esta exposición hace años.

El relato arranca con La danseuse espagnole (1928), más una pintura o collage que una escultura, y termina en Personnage (1982), creada a partir de una servilleta que se llevó del restaurante barcelonés La Puñalada con 90 años ya cumplidos. Por el camino, aguardan hitos de su carrera como el grupo de bronces que inicia a finales de los 40 bajo el nombre de Femme, y que retoma periódicamente con insólitas mezclas de hueso, piedra y hierro; piezas monumentales, como Souvenir de la Tour Eiffel (1977), obra de tres metros de altura concebida con objetos ensamblados; o las esculturas pintadas de 1967. “Aconsejado por su entonces galerista, Pierre Matisse y antes por su amigo Giacometti”, recuerda Salazar, “se atrevió a llenar de color sus criaturas. Se expusieron en Nueva York y los coleccionistas se las quitaban de las manos”.

La mayor parte de lo expuesto es propiedad de la familia. Punyet Miró, su representante ayer en Santander, aseguró, con todo, que, en contra de lo que sucedió con la llegada del color a la obra de Miró, no se trata de renovar el interés del mercado por la escultura de su abuelo, sino de colocarla en el contexto de idóneo para apreciarla en su justa medida, gracias a una suma de piezas que considera “irrepetible”. “La cotización de la pintura de mi abuelo es muy superior a la escultura. Es otro mundo”, explica. “Nosotros queremos que difunda a fondo todo Miró. Este verano tendremos listo el catálogo de dibujos y el 1 de octubre el Grand Palais de París conmemora la antológica que le dedicaron en 1976. Será la mayor exposición que se le ha dedicado nunca a mi abuelo”, anuncia.

El capítulo de lo que queda de Miró por venir lo completa la puesta en marcha de la tercera fundación dedicada al artista. Estará en la masía familiar de Mont-roig (Tarragona), un lugar en el que se mostrará una selección de obras y en el que, a diferencia de Palma o Barcelona, no habrá exposiciones temporales. Las últimas noticias en torno al artista, al menos de momento, pasan por Madrid. Hablan de la creación de un eje Miró, que recorra la Castellana desde el Reina Sofía, museo al que la familia realizó una donación en 1985, la Fundación Mapfre, donde se exponen con carácter permanente 65 piezas del pinto, hasta el palacio de Exposiciones y Congresos, donde desde 1979 está uno de sus murales.

FUENTE: DIARIO EL PAÍS / ÁNGELES GARCÍA.

Concha Espina, la autora que acarició el Nobel de Literatura

Una exposición en el Museo Nacional de Ciencias Naturales aborda la obra y la vida de las mujeres distinguidas por la Academia sueca.

Exposición ‘Mujeres Nobel’. Museo Nacional de Ciencias Naturales. Madrid. Del 21 de septiembre de 2017 al 20 de marzo de 2018.

Concha Espina (Santander, 1869-Madrid, 1955) es más que una estación de metro. O es una estación de metro porque fue mucho más: poeta, dramaturga, periodista y novelista compulsiva. Fue también —y ya se borró del recuerdo colectivo— la escritora española que estuvo más cerca del Nobel. En 1926 perdió frente a la italiana Grazia Deledda. Sigue leyendo Concha Espina, la autora que acarició el Nobel de Literatura

Cuatro ventanas al drama humano

La muestra ‘Testigos del olvido #2’ se inaugurará este otoño en Santander, dentro de la apuesta fotográfica de la Fundación Caja Cantabria, reúne el retrato de «crisis humanas desatendidas de nuestro tiempo» a través de la mirada solidaria de Médicos Sin Fronteras

La exposición, que cerrará el año en el Casyc, vuelve a ratificar la apuesta de la entidad por la fotografía a través de diversas muestras

Un largo conflicto plagado de extorsiones, desapariciones y asesinatos./Juan Carlos Tomasi

El objetivo, el punto de mira, la perspectiva, el plano y la mirada coinciden en este caso en un mismo foco: hacer visible lo invisible. Es testimonio y compromiso, crónica e implicación, sentido mediático y solidaridad. Las fotografías realizadas por el reportero gráfico Juan Carlos Tomasi configuran la serie producida por Médicos Sin Frontera. Un retrato del rostro humano tras el sufrimiento diario, la violencia y el abandono mediático que padecen quienes viven en cuatro de los lugares más devastados de la tierra: Territorios Palestinos Ocupados, Níger, Etiopía y Colombia. Acompañado por reconocidos escritores como Martín Caparrós (Palestina), Santiago Roncagliolo (Níger), Laura Restrepo (Etiopía) y Manuel Rivas (Colombia), el fotógrafo se internó en ese «olvido constante para conocer la voz de los protagonistas de esas historias de las que la gente apenas habla».

La Fundación Caja Cantabria exhibirá ese itinerario fotográfico de Tomasi con textos de esos cuatro grandes narradores y periodistas en lengua española. La Sala de Exposiciones del Casyc acogerá la exposición bajo el epígrafeTestigos del olvido #2, que será inaugurada el próximo 1 de diciembre por Médicos Sin Fronteras (MSF), cita que abre una ventana a cuatro crisis humanas desatendidas de nuestro tiempo.

La exposición, que podrá visitarse hasta el próximo 30 de diciembre, acerca el rostro humano del sufrimiento, la violencia continua y el olvido mediático que padecen cuatro rincones del planeta con dramas humanos «trágicamente silenciados». Estos retratos del horror cotidiano son «un alegato contra la indiferencia, una apuesta por el compromiso con los seres humanos que viven sometidos a la violencia, la enfermedad y la exclusión extrema en los rincones abandonados del mundo».

La muestra

Testigos del olvido. Del 1 al 30 de diciembre. Sala de Exposiciones Casyc. C/ Tantín, 25. Santander. Lunes a sábado de 11 a 13 h. y de 18 a 21.00 horas.

Contenido. Miradas y retratos sobre los territorios Palestinos Ocupados, Níger, Etiopía y Colombia–, narrados por Martín Caparrós, Santiago Roncagliolo, Laura Restrepo y Manuel Rivas, quienes viajaron al limbo del olvido acompañados del fotógrafo Juan Carlos Tomasi

La muestra se compone de fotografías, de extractos de los cuatro reportajes y de un vídeo que vertebra la narración tanto de las problemáticas específicas de estas crisis como de los procesos creativos de Caparrós, Roncagliolo, Restrepo y Rivas: Los cuatro narran desde el terreno, en primera persona, con un enfoque literario y periodístico a la vez, y otorgando todo el protagonismo a quienes sufren estas crisis. La muestra se estructura en este sentido en cuatro apartados, cada uno de ellos centrado en un contexto:

Territorios Palestinos Ocupados, con Martín Caparrós, Premio Planeta Argentina, viajero incansable, presenció el conflicto latente en la ciudad cisjordana de Hebrón en junio de 2014, justo antes del recrudecimiento de los enfrentamientos entre Gaza e Israel. En los Territorios, «la normalidad es una violencia sorda que provoca graves consecuencias psicológicas y sociales en la población palestina».

Níger es retratado a través de Santiago Roncagliolo. El escritor y dramaturgo peruano se desplazó a un distrito rural del sur del Níger en julio de 2014, coincidiendo con el llamado periodo de escasez, ese trágico lapso en el que las familias agotan las reservas de sus graneros sin que la nueva cosecha esté todavía disponible. «Es un momento crítico en el que la desnutrición infantil, fenómeno lamentablemente endémico, se recrudece».

Etiopía, con Laura Restrepo se remonta al otoño de hace dos años cuando la escritora y ensayista colombiana fue testigo de la escasa atención médica disponible en la inmensa mayoría del país etíope. «Esta cruda realidad se traduce en escalofriantes estadísticas: cada 40 minutos muere una mujer durante el embarazo o el parto».

Las narraciones de los escritores Caparrós, Roncagliolo, Restrepo y Rivas sirven de apoyo al material audiovisual

En el caso de Colombia, Manuel Rivas, polifacético escritor y periodista coruñés se trasladó en noviembre de 2014 a la cordillera del Cauca para documentar las consecuencias de un largo conflicto plagado de extorsiones, desapariciones y asesinatos, cometidos sobre una población rural traumatizada e impotente frente a la dinámica de la violencia. Esta mirada puede servir de contraste ante una realidad que parece haber entrado en una marcha atrás definitiva hacia la paz tras los acuerdos recientes entre Gobierno y guerrilla

Las cuatro crisis fueron documentadas por el fotoperiodista, reportero y realizador audiovisual Juan Carlos Tomasi, quien lleva veinte años retratando los conflictos y desastres olvidados del mundo y a las personas que sufren en silencio sus consecuencias. Los escritores elaboraron sus crónicas con un enfoque literario y periodístico a la vez, con plena libertad y otorgando el protagonismo a las víctimas.

Esta muestra es la segunda parte del proyecto ‘Testigos del olvido’, lanzado por MSF, El País Semanal y el Instituto Cervantes entre 2009 y 2010, y que también dio lugar a una exposición que en su itinerario durante esta década ha logrado una excelente acogida en las numerosas ciudades en que ha sido expuesta.

Este otoño el Casyc mantiene abierto otro itinerario e inventario gráfico, a modo de álbum de la inmediatez, convertido en memoria representativa. La muestra ensalza la fotografía como vínculo social, ojo del mundo, espejo contemporáneo y crónica documental. ‘Click26’ da nombre a la segunda edición del proyecto fotográfico que reúne en una muestra las mejores imágenes de 2015 publicadas por los fotoperiodistas cántabros a lo largo de todo el mundo, y que podrá visitarse hasta el próximo 23 de noviembre. A través del trabajo necesario y profesional de la fotografía como relato del mundo cotidiano, de la actualidad, la noticia, lo idéntico e insólito, del hallazgo y el hito, el hecho y el documento, se reúnen ahora veintiséis miradas exponenciales del fotoperiodismo de Cantabria.

La Fundación de la Caja ha continuado su actividad desarrollada durante una década de imágenes, un proyecto cuya identidad sirvió para fusionar lo didáctico y lo creativo, el aprendizaje y el lenguaje visual plasmados en el espíritu de Casyc Foto Polientes. Una doble exposición reflejó el pasado año su legado, con Polientes y Santander como referentes, tras diez años de labor creativa y formativa con Pablo Hojas al frente. La fotografía como lugar de encuentro y eje del relato ha sido el territorio fértil por el que pasaron decenas de profesionales y aficionados

PALESTINA

La normalidad es una violencia sorda que provoca graves consecuencias psicológicas en la población

Fuente: EL DIARIO MONTAÑES/GUILLERMO BALBONA .

Ruth Beitia. Campeona olímpica de salto de altura, y…¡¡cántabra!!

Seguro que muchos de vosotros habréis visto en directo o en diferido el salto que hizo Ruth para conseguir la medalla de oro en Rio, pero es posible que muy pocos sepáis de una deliciosa entrevista que le hizo la periodista de RTVE (nuestra enhorabuena también para ella),  minutos después del enorme logro de nuestra paisana.

Aquí tenéis el enlace por si la queréis ver y disfrutar. ¡¡De verdad que merece la pena verla!! Como ella dice, entre otras frases a tener muy en cuenta, la vida a veces da una segunda oportunidad…aunque haya tardado, -como en su caso-, 26 años. Un ejemplo para todos.

¡¡Enhorabuena Ruth desde este espacio de cultura de Valderredible, y es que el deporte también es cultura!!

Fuente: Centro Cultural de Valderredible.

El ‘chamán del arte chino’ llega a Santander

La Biblioteca Central mostrará la obra del Cang Xin en la primera retrospectiva que se realiza en España del performer, fotógrafo, escultor y diseñador

Obra titulada ‘Man and Sky as One series 2 Trance’, que se verá en Santander / Cang Xin

Una reflexión espiritual sobre el cuerpo y la naturaleza que hunde sus raíces en las tradiciones estéticas y religiosas chinas es el eje de una de las grandes exposiciones de referencia que se exhibirá en Santander este verano. El arte chino actual a través de una de sus figuras fundamentales; la presentación por primera vez en España de una retrospectiva con una amplia y representativa relación de sus obras; y la presencia de un «protagonista activo de los grandes cambios sociopolíticos y culturales de China» confluyen como señas de identidad y claves de una de las grandes muestras de los últimos años en la ciudad: ‘Cang Xin. El cuerpo y la naturaleza’.

Organizada por la Consejería de Cultura del Gobierno de Cantabria e integrada en la programación paralela que celebra la 25ª edición de la feria Artesantander, la muestra que se celebrará en verano, desde el mes de julio hasta final de agosto en la Biblioteca Central de Cantabria, pone énfasis en la relación entre el cuerpo y la naturaleza en la obra de Xin, mostrando por primera vez en España una selección retrospectiva de este creador chino fundamental, en una cita comisariada por Susana Sanz y Mónica Álvarez Careaga.

La selección de obras que se verá en la exposición abarca desde mediados de los 90 hasta el año 2007

Performer, fotógrafo, escultor y diseñador Cang Xin (1967) a lo largo de sus más de dos décadas de carrera creativa se ha destacado como una referencia internacional del arte contemporáneo y un exponente avanzado de ese engarce con los escaparates del arte de su país en Occidente.

Aunque con formación musical, Xin rápidamente empezó a pintar de forma autodidacta y se trasladó a Pekín donde fue uno de los muchos protagonistas de los movimientos estudiantiles de 1989, lo cual le costaría el exilio hasta que en 1993 pudo regresar a Pekín y se instaló en el célebre pueblo de artistas del East Village: el caldo de cultivo del arte contemporáneo chino.

Muchos de los críticos que se han acercado a su trabajo, se refieren a Cang Xin como el ‘chamán del arte chino’. Para las artífices de este proyecto es «innegable» que en la evolución de su trabajo se conectan las prácticas del arte contemporáneo con las más profundas tradiciones espirituales de Mongolia en el norte de China. Precisamente como un chamán, Cang Xin interpreta sus performance, sus rituales en plena naturaleza, sirviéndose de su cuerpo como elemento conector y de comunicación entre el cuerpo y la naturaleza, entre el hombre y el cielo.

Cang Xin interpreta sus performance, sus rituales en plena naturaleza, sirviéndose de su cuerpo como elemento conector

La selección de las obras integrantes de esta cita abarca desde mediados de los 90 hasta 2007, un periodo capital para la historia del arte chino, «caracterizado por el acceso de los jóvenes artistas al arte conceptual, el body art, el performance y otras manifestaciones del arte contemporáneo occidental, así como por la creación de las primeras colonias artísticas de trabajo en la capital china».

El trabajo de Cang Xin como performer, documentado en las obras fotográficas derivadas de algunas de sus primeras acciones: ‘Trampling Faces’, 1994 y ‘To Add One Meter to an Anonymous Mountain’, 1995 (realizada en colaboración con Ma Liuming y Zhang Huang) y de sus series más relevantes: ‘Identity Exchange, Communication, Ice Fire y Man and Sky’ conformará el núcleo de esta exposición santanderina.

Irrupción del arte occidental

 

A través de materiales de archivo, 35 fotografías de sus más importantes performances cedidas en exclusiva para la ocasión por el artista y el White Box Art Center de Pekín y una performance inaugural, se reconstruirán las huellas de esta reflexión espiritual sobre el cuerpo y la naturaleza. Desde mediados de los años 80 del siglo XX, dos aspectos cruciales marcarían el desarrollo del arte chino contemporáneo.

Según explica Susana Sanz, en primer lugar asoma la irrupción del arte occidental en las academias y en los círculos artísticos urbanos chinos. De modo que en menos de una década, conceptos tan diversos como modernismo, posmodernidad o arte conceptual se introdujeron al mismo tiempo y de forma anacrónica en el arte chino; fuera del contexto cultural original en el que fueron ideados y adaptándose a las necesidades del nuevo medio artístico.

 Cang Xin no usará su cuerpo como lienzo en sus performances sino como “un instrumento del lenguaje, una forma de comunicación

El caso de la performance es un buen ejemplo, ya que «en China será reinterpretado a partir de las fotografías de acciones realizadas en el extranjero que los artistas chinos podían consultar a través de libros, pero raramente en vivo».

El segundo aspecto radica en la creación de focos artísticos en forma de pueblos de artistas, una peculiaridad del arte chino contemporáneo que se inicia en esos momentos y que perdura en la actualidad. Cang Xin reúne estas dos claves desde los inicios de su trayectoria profesional, ya que fue uno de los pioneros de la performance en China y desarrolló algunas de sus obras más celebres en el pueblo de artistas del East Village.

A diferencia de sus compañeros de generación, Cang Xin no usará su propio cuerpo como lienzo protagonista de sus acciones sino como «un vehículo, como un instrumento del lenguaje, como una forma de comunicación».

 

FUENTE: EL DIARIO MONTAÑÉS / GUILLERMO BALBONA .

 

El CDIS hace un recorrido literario por sus fondos y publica ‘Relatos mínimos’

Editados más de 2.000 ejemplares, el volumen se regala a quienes realicen un gasto superior a 20 euros en la XXXV Feria del Libro

 

 

 

 

 

 

 

La obra incluye diez relatos de escritores cántabros, cinco hombres y cinco mujeres.

‘Relatos mínimos. Fotoficción 2016‘ son diez historias inventadas por diez autores cántabros, inspiradas en alguna de las casi 200.000 imágenes que custodio el Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS). El libro –del que se han editado 2.000 ejemplares– se obsequiará entre quienes realicen un gasto superior a 20 euros en el marco de la XXXV Edición de la Feria del Libro de Santander. Editado por el Ayuntamiento y el CDIS, el volumen fue presentado ayer por la concejal de Cultura, Miriam Díaz y la directora del centro, Manuel Alonso.

El libro comienza con el texto ‘Como el láudano que sangras’, escrito por el periodista de El Diario Montañés Guillermo Balbona, e inspirado en la imagen ‘Nymphes du Bois’, de Pere Casas Abarca, incluida en la colección de Federico Vial. ‘La Escala de Telmo Cuatromanos’ es el relato creado por el cantante y escritor santanderino Jimmy Barnatán, sobre la fotografía ‘En torno al piano’, perteneciente al fondo Eugenio López-Dóriga Polanco.

El poeta Rafael Fombellida se fijó en la imagen de Lucien Roisin ‘Paseo de Pereda. Nocturno’, de la Colección Víctor del Campo, que ha dado lugar al texto ‘Bebidas tras la cena’. Y ‘El señor Bartleby Oblómov’ es el título del micro-relato presentado por Juan Antonio González Fuentes, sobre la imagen ‘Acostado’, de Casto de la Mora y Arena, que forma parte del Fondo Ángel de la Mora; mientras que ‘La Presa número 51’, es el relato de la editora Berna González Harbour sobre una fotografía de autor y fecha desconocida, probablemente tomada entre 1915 y 1930, de la colección Proyecto Presos con Causa.

La obra contiene diez relatos de escritores sobre una foto antigua elegida entre las casi 200.000 del centro

Una fotografía del Palacete del Hospital Doctor Morales, tomada en 1963 por Pablo Hojas, ha servido de hilo conductor a la escritora Menchu Gutiérrez para dar forma al relato corto ‘Bajo el Sol del mediodía’. Mientras Mada Martínez se fijó en la foto ‘Banquete de boda de Encarnación de la Mora y Arena y Fernando Larrucea’, de 1906, perteneciente al fondo Ángel de la Mora para dar vida a Richard Garbo, nombre artístico del protagonista de su historia inventada.

Una instantánea del cine Los Ángeles, con el título ‘Calle Rualasal 1964’, de Pablo Hojas Llama, fue el punto de partida para la historia de Rosa Pereda, que se presenta bajo el título ‘Y llego tarde al cine’, mientras que una imagen del Incendio de Santander de 1941, ‘Vista desde las escaleras de la Catedral’, del fondo Joaquín y José Luis Arauna, centra ‘La Quema’ de Jesús Ruiz Mantilla, autor del libro ‘Ahogada en Llamas’ que aparece citado en su micro-relato. La periodista de El Diario Montañés Marta San Miguel concluye los relatos con ‘La Búsqueda’, una historia inspirada en la imagen ‘La Gran Place, Bruselas’, de autor desconocido y parte de la colección Manuel Velasco Torre.

La idea del libro es similar a la que tuvo el novelista William Boyd, quien buscó en rastros y mercadillos más de 2.000 fotografías antiguas para crear la biografía de la fotógrafa Amory Clay, utilizando dichas imágenes como si fueran su álbum fotográfico.

Miriam Díaz, concejala de Cultura, recordó que también se entregarán 2.000 láminas conmemorativas del 75 Aniversario del Incendio de Santander, que muestran una recreación del área quemada, y varios libros donados por la Fundación Gerardo Diego. Además este año, el expositor municipal va a tener un punto de lectura y préstamo infantil y un punto de atención específico sobre la Red de Bibliotecas Municipales, con posibilidad de hacer carné de socios. Díaz destacó, además, la labor permanente que realiza el Ayuntamiento de Santander para difundir las colecciones de fotografía histórica de propiedad municipal, a través de proyectos como ‘Relatos Mínimos. Fotoficción 2016’.

Fuente: El Diario Montañés / Lola Gallardo .